La relación entre lo visual y lo sonoro es mucho más que compleja. Es más bien abierta y mediada intelectualmente.
Esta mediación puede jugar con una idea débil de «transducción» entre ambos campos, y además ir de uno al otro o en ambas direcciones.
Lo visual como transducción
Ariana Jenik desarrolló una serie de obras en tinta que comienza con un estudio de ritmos y temas musicales en relación a movimientos del cuerpo, que luego se transforman en trazos.
El rol de «medium» de Ariana hace de esta transducción obras únicas, a pesar de que el estudio previo requiere de una serie de decisiones y categorizaciones sobre el peso de la tinta y los elementos materiales que generan los trazos.
Lo visual como lenguaje
György Ligeti fue un compositor rumano que realizó incursiones experimentales electrónicas con otros colegas como Karlheinz Stockhausen a pesar de ser conocido popularmente por fragmentos musicales en películas.
En una de sus obras electrónicas incursionó junto con un diseñador gráfico en la elaboración de un lenguaje que permita el registro y la transmisión precisa para la ejecución de su obra.
Lo visual como interfaz de ejecución
Xul Solar, además de ser el increíble pintor inspirado en parte por sus estudios esotéricos, fue también un inventor. La interpretación de muchas de sus pinturas además dan cuenta de melodías y partituras transformadas en obras de arte visual.
El piano modificado (intervino otros instrumentos de tecla también) es un buen ejemplo de cómo un sistema visual entre lo cálido y lo frío pude cambiar la lógica de la ejecución de un intrumento.
Sinestesias
La sinestesia es el fenómeno por el cual una persona experimenta con un sentido algo típicamente sensible de otro sentido. Texturas que disparan sabores, o en el caso de Melissa McCracken pinturas a partir de música, como en esta obra que es su versión de «Life on Mars» de David Bowie.
Muchos pintores y tantos otros músicos incursionaron en esta relación. Por un lado desde la plástica artistas como Frantisek Kupka, Paul Klee, Wassily Kandinsky; y por el lado musical artistas como Schoenberg. Como ejemplo, un video sobre la prolífera relación entre Kandinsky y Schoenberg.
Lo visual como herramienta de composición
Inspirado en la intervención gráfica en las latas de las películas de cine, Norman McLaren inventó un código de figuras que eran interpretadas luego de ser tomadas por una cámara durante el proceso de pasaje del film en una máquina de proyección cinematográfica. Este proyecto de 1951 fue denominado «Pen Point Percussion».
Una década después Daphne Oram comienza el co-diseño de su Oramics Machine, multiplicando las pistas y el procesamiento, aunque leyendo sobre la misma base fílmica.
Fernando Von Reichenbach fue uno de los protagonistas de una década de creación explosiva. Entre otras cosas inventó una máquina que estaba orientada a la composición musical a partir de un lenguaje gráfico que se dibujaba en lápiz.
Unos años después la digitalización de la producción musical dejó sin efecto este tipo de intentos que fueron sobresalientes en su época. De hecho, los dibujos que pensaba Von Reichenbach son prácticamente los scores MIDI que hoy podemos ver en softwares como Logic, Ableton, Cubase, etc.
Lo visual y lo sonoro desde el procesamiento digital
En 2003 Verute Parselis y Martín Parselis inauguraron una obra multimedia que se llamó Espiral, movimiento continuo. El tema musical involucraba el procesamiento temporal y en altura del sonido generado a partir de la figura de la espiral a partir del software Metasynth.
La capacidad de procesamiento digital generó múltiples caminos adicionales para la exploración de relaciones entre lo visual y lo sonoro hasta el punto de «estetizar» casi toda la vida entre imágenes, música y sonidos que en otros tiempos hubieran sido considerados innecesarios e incluso irritantes (tal vez asistimos al triunfo de la propuesta del genial Luigi Russolo).
Lo visual en el Proyecto Batea
El Proyecto Batea toma algo de todas estas perspectivas, pero con el objetivo de crear una instalación de acceso inmediato. Este objetivo estuvo presente desde el principio y fue inspirado por algunas charlas con Martín Bonadeo y sus charlas con Kosice sobre los modos de acceso a las obras. Esto implica prácticamente la desaparición de una interfaz que deba ser apropiada, aprendida, o estudiada.
La ausencia de este condicionamiento posibilita que la experiencia sea desde un principio una actividad lúdica, y tal vez esta es la razón por la que los niños se sienten atraídos inmediatamente por la obra.
Por supuesto hay otras capas analíticas de la obra, tal como desarrollamos en este post, pero lograr una experiencia sin mediaciones, sin que haya un artefacto o un mecanismo que de cuenta de la presencia de una tecnología, es también una posibilidad de descanso ante la exigencia permanente de habilidades operativas de los artefactos que nos rodean.
Las narrativas compatibles
Esta lógica de producción de la obra y el proceso de transducción puede acompañarse en instalaciones situadas por diversas narrativas.
El nombre del proyecto refiere a una en particular: el vinilo como registro y soporte de obras sonoras.
El vinilo fue olvidado en el mercado de consumo masivo durante algunas décadas y hoy recupera algo de interés en base a la evidente sofisticación que posee tanto en el sonido como en el rito y el gesto que involucra.
La batea es el lugar del archivo, donde los vinilos esperan ser descubiertos, escuchados, disfrutados.
Esta metáfora inicial invita desde Proyecto Batea a crear el registro propio a partir de trazos dibujados y dejar en manos de la instalación la producción del sonido.
Las otras instalaciones posibles
Manteniendo los objetivos iniciales y la búsqueda de espacios de transducción, el proyecto busca espacios, materiales, narrativas y nuevas transducciones permanentemente.
El futuro es explorar y multiplicar otras formas de relación entre lo visual y lo sonoro.
